THE INTRICATE DETAIL - SYMBOLS IN CONTEMPORARY ART

23.12.2016 – 23.01.2017

Participating artists

Sara Berti, Christoph Both-Asmus, Finn Lafcadio O’Hanlon, Wanda Stang, Andy Wengel

Opening

05.01.2017, 19:00

“One only sees what one already knows and understands.”

noted in a letter from Johann Wolfgang von Goethe to Friedrich von Müller, 1819

Symbolism is still an important artistic tool. Originally symbols had been used as a pictorial representation of a recognizable motif or a situation, which were later developed into fonts. Today we find visible metaphors such as pictograms in the public space. Artists use this universal language to the present to express themselves cosmopolitically. The current exhibition at WHITECONCEPTS gallery shows five positions, which are characterized by the use of symbols.

The multimedia artist Sara Berti uses different materials and has built art in public space. She primarily deals with the body based on the long tradition of Italian masters. Her bronze sculptures show the imprint of the artist in the material and proclaim the connection with vital energy. She is “modelling the performative nature of becoming against the static nature of being.” László Győrffy
Berti’s fragile figures are not abstract representations, but correspond to transcendent projections of the body in the domain of metaphysics – the intersection of the converging lines is the seat of the mind (both are related to cognitive abilities as well as to the soul).

Sara Berti (* 1982 Bologna/IT) graduated as a sculptor at the Accademia di Belle Arti in Bologna in 2006. Since 2015 she has been living and working in Sharjah/United Arab Emirates. Exhibitions took her to Italy, Hungary, Germany, Austria, Denmark, Serbia, Turkey, United Arab Emirates and in the USA. She also represented Italian art in Hungary for the Italian pavilion at the 54th Venice Biennale.

Besides painting and drawing the work of Wanda Stang includes performance, object and installation. Often her exhibitions are staged as a space of experience related to different time, material and spatial ideas focusing on the reconnection of dreams into reality. Her paintings are composed directly onto the canvas, without any preliminary drawing. The artist sometimes becomes conscious of connections later. At the center of her painting “Dark Hands” we see a young woman, with her black – probably oil – smeared – hands holding her face as if she were thinking about the catastrophic effects of oil and other environmental pollution.

Before Wanda Stang (*1985 Bad Saarow/DE) graduated in the visual arts in Baden-Württemberg she graduated in Fine Arts and Education for Waldorf schools. This was followed by studies of painting as well as the textile and surface design at the Art Academy Berlin-Weißensee. In 2015 she completed her studies as a master student of Prof. Tristan Pranyko. 2006-2007 she was involved in the restoration on the occasion of the reopening of the New Museum in Berlin. In 2011 her way led to London, where she was appointed for the label Alexander McQueen. Back in Berlin, she participated in solo and group exhibitions in Germany, the Netherlands and Hungary.

The multimedia artist Christoph Both-Asmus questions our relationship to nature and the environment. His work includes all kinds of media like performance, video, photography, sculpture and Land Art as well as installations, painting and drawing. He mainly uses natural materials such as live and dead animals, plants, ice, earth and fire. The photograph is based on a ritual live-performance by the artist. Charcoal pieces are set on the chest of the artist and placed around the stalks of beautiful bouquet of flowers. The title “Green Cross” refers to Joseph Beuys‘ figures of crosses symbolizing abstract thinking and thus freedom. Christoph reconnects our feelings for the animated nature, to stop its ever-increasing plunder and destruction.

Christoph (*1984 in Bad Soden-Salmünster/DE) received his M.A. from the Sandberg Institute of Fine Arts in Amsterdam in 2010. He received numerous awards and grants for his work, including the Mondriaan Fond Amsterdam. His work has been presented in exhibitions throughout Germany, Netherlands, Poland, UK, Portugal, Greece, Japan, Canada, USA, Cameroon, Congo, Gabon.

Finn Lafcadio O’Hanlon works in a variety of media including ink and collage on paper, photography, stone engraving, and site-specific sculpture. The 24-year-old British artist explores classical and historical imagery, syncretic religious and ‘pop´ iconography, cartography and lexicology. His finely detailed monochromatic works deal with an exotic, decaying dystopia giving a critical perspective of current political and social issues.

Finn (*1992 Brighton/UK) was born to an Australian father and an Hawaiian-Cherokee mother. He grew up among creative, nomadic types in Tulsa, Oklahoma, and Los Angeles/USA before returning as a teenager to Sydney/AUS. Having spent a year in France, Finn has been living in Berlin since 2013. His work has been exhibited in Germany, Australia, United Kingdom and Hungary.

Andy Wengel addresses the themes of self-similarity, complexity and time and began developing ideas for the series “Power” in 2013. The advent of the Industrial Age saw the realm of towering structures, previously the sole preserve of rulers or religious institutions, taken over by mostly privately funded skyscrapers as symbols of power. Andy’s work focuses on the subjective effect of giant buildings on the ground, detached from pure observation of the architecture. Converging verticals and extreme perspectives reinforce the monumental impact of the buildings and are employed as stylistic devices. The reduced visual language together with the juxtaposition allow for a concentrated analysis on a detailed and mid level, forming a steel portrait of our time.

Andy Wengel (*East-Berlin/DE) had already developed a strong interest for visuals and science in primary school. Traveling through all continents shaped his photographic and general perception. While working at the Humboldt University he was responsible for photographic reproduction and darkroom processes where he first begun photographic experiments. His works have been shown in Germany, Hungary, Singapore and the USA.

“Man erblickt nur, was man schon weiß und versteht.“

Johann Wolfgang von Goethe, aus einem Brief an Friedrich von Müller, 1819

Ein wichtiges gestalterisches Mittel in der Kunst ist die Symbolik. Ursprünglich wurde das Symbol als bildhafte Darstellung eines erkennbaren Motives oder einer Situation genutzt, woraus sich später Schriften entwickelten. Heute finden wir sichtbare Metaphern z.B. als Piktogramme im öffentlichen Raum. Künstler nutzen diese universelle Bildsprache bis in die Gegenwart, um sich kosmopolitisch auszudrücken und zu verständigen. Die Ausstellung in der Galerie WHITECONCEPTS zeigt fünf Positionen, die sich durch die Verwendung von Symbolen auszeichnen.

Die Multimedia-Künstlerin Sara Berti verwendet unterschiedliche Materialien und errichtete bereits Kunst im öffentlichen Raum. Sie setzt sich vorrangig in der Tradition italienischer Meister mit dem Körper auseinander. Ihre Bronze-Skulpturen zeigen den Abdruck der Künstlerin im Material und künden von der Verbindung mit der Lebensenergie. „Sie modelliert die performative Natur des Werdens gegen die statische Natur des Seins.“ László Győrffy

Bertis fragile Figuren sind keine abstrakten Darstellungen, sondern entsprechen transzendierten Projektionen des Körpers in den Bereich der Metaphysik – der Schnittpunkt der konvergierenden Linien ist der Sitz des Geistes (diese sind sowohl bezogen auf die kognitiven Fähigkeiten als auch auf die Seele).

Sara Berti (*1982 Bologna/IT) absolvierte 2006 ihr Studium als Bildhauerin an der Accademia di Belle Arti in Bologna. Sie lebt und arbeitet seit 2015 in Abu-Dhabi. Sie wurde zu Ausstellungen in Italien, Ungarn, Deutschland, Österreich, Dänemark, Serbien, Türkei, Vereinigte Arabische Emirate und die USA eingeladen. Sie vertrat auch die italienische Kunst in Ungarn für den italienischen Pavillon während der 54.Venedig Biennale.

Das Werk von Wanda Stang umfasst neben Malerei und Zeichnung auch Performance, Objekt und Installationen. Oft inszeniert sie einen Erlebnisraum von unterschiedlichen Zeit-, Material- und Raumebenen mit vieldeutigen surrealen Ebenen, bei dem die Rückbindung von Träumen in die Wirklichkeit im Fokus steht. Ihre Malerei komponiert sie ohne Vorzeichnung direkt auf die Leinwand und die Zusammenhänge werden der Künstlerin manchmal erst später bewusst. Im Zentrum ihres Gemäldes „Dark Hands“ wird eine junge Frau gezeigt, die mit ihren schwarzen – wahrscheinlich ölverschmierten – Händen ihr Gesicht hält, als ob sie über die katastrophalen Auswirkungen von Öl- und Umweltverschmutzungen nachdenkt.

Wanda Stang (*1985 Bad Saarow/DE) absolvierte zuerst ein Studium der Kunstmalerei und Pädagogik für Waldorfschulen sowie der Bildenden Kunst in Baden-Württemberg. Danach folgte ein Studium der Malerei als auch des Textil- und Flächendesign an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee. 2015 beendete sie ihr Studium als Meisterschülerin von Prof. Tristan Pranyko. 2006 bis 2007 war sie an den Restaurationsarbeiten anlässlich der Neueröffnung des Neuen Museums in Berlin beteiligt. 2011 führte sie ihr Weg nach London, wo sie für das Label Alexander McQueen engagiert wurde. Zurück in Berlin nahm sie an Einzel- und Gruppenausstellungen in Deutschland, den Niederlanden und Ungarn teil.

Der Multimediakünstler Christoph Both-Asmus hinterfragt unser Verhältnis zu Natur und Umwelt. Sein Werk umfasst  Medien wie Performance, Video, Fotografie, Skulptur und Land Art sowie Installationen, Malerei und Zeichnung. Er verwendet hauptsächlich natürliche Materialien wie lebendige und tote Tiere, Pflanzen, Eis, Erde und Feuer. Das ausgestellte Foto basiert auf einer rituellen Live-Performance des Künstlers. Auf der Brust des Künstlers sind brennende Kohlestückchen und Stiele eines üppigen Blumenstraußes platziert. Der Titel “Green Cross” bezieht sich auf Joseph Beuys ‘ Darstellungen von Kreuzen, die abstraktes Denken und damit Freiheit symbolisieren. Christoph verbindet uns und unsere Gefühle für eine beseelte Natur, um ihre zunehmende Plünderung und Zerstörung zu stoppen.

Christoph (* 1984 in Bad Soden-Salmünster/DE) erhielt 2010 seinen M.A. vom Sandberg-Institut für bildende Künste in Amsterdam. Er erhielt zahlreiche Auszeichnungen und Stipendien für seine Arbeit, darunter den Mondriaan Fond Amsterdam. Seine Arbeiten wurden in Deutschland, den Niederlanden, Polen, Großbritannien, Portugal, Griechenland, Japan, Kanada, den USA, Kamerun, Kongo und Gabun gezeigt.

Finn Lafcadio O’Hanlon arbeitet mit einer Vielzahl von Medien wie Tinte und Collage auf Papier, Fotografie, Steingravur und ortsspezifischer Skulptur. Der 24-jährige britische Künstler erforscht klassische und historische Bilder, synkretistische religiöse und ‘Pop’ Ikonographie, Kartographie und Lexikologie. Seine fein detaillierten, monochromatischen Arbeiten beschäftigen sich mit einer exotischen, verfallenden Dystopie, die eine kritische Sicht auf aktuelle politische und soziale Fragen gibt.

Finn (*1992 Brighton/UK) ist der Sohn eines australischen Vaters und einer Hawaiian-Cherokee Mutter. Er wuchs unter kreativen Nomaden in Tulsa, Oklahoma und Los Angeles/USA auf, bevor er als Teenager nach Sydney/AUS zurückkehrte. Nach einem Jahr in Frankreich lebt Finn seit 2013 in Berlin. Seine Werke wurden in Deutschland, Australien, Großbritannien und Ungarn gezeigt.

Andy Wengel beschäftigt sich mit Themen wie Selbstähnlichkeit, Komplexität und Zeit und begann im Jahr 2013 Ideen für die Serie “Power” zu entwickeln. Mit dem Beginn des Industriezeitalters begannen meist privatfinanzierte Wolkenkratzer, die bis dahin Herrschern oder religiösen Institutionen vorbehaltenen Monumentalbauten als Symbole der Macht abzulösen. A.Wengel geht mit seiner Arbeit, losgelöst von einer reinen Betrachtung der Architektur der Frage nach der subjektiven Wirkung monumentaler Bauten auf den Grund. Stürzende Linien und extreme Perspektiven verstärken die monumentale Wirkung der Bauwerke und werden zum Stilmittel. Die reduzierte Bildsprache sowie die Gegenüberstellung erlauben eine konzentrierte Auseinandersetzung im Groben wie auch im Detail und bilden ein stählernes Portrait unserer Zeit.

Andy Wengel (*Ost-Berlin/DE) hatte bereits in der Grundschule ein starkes Interesse für Visualisierung und Wissenschaft entwickelt. Die Reise durch alle Kontinente prägte seine fotografische und allgemeine Wahrnehmung. Während der Arbeit an der Humboldt-Universität war er verantwortlich für fotografische Reproduktion und Dunkelkammerprozesse, wo er erste fotografische Experimente begonnen. Er wurde zu Ausstellungen eingeladen in Deutschland sowie den USA, Singapur und Ungarn.